Calendrier des événements - Théâtre de Suresnes Jean Vilar

D’abord historienne de l’art puis comédienne, elle-même footballeuse amatrice, Hortense Belhôte combine ses différents talents dans une conférence spectaculaire, inspirée et inspirante, volontiers féministe, autour du football féminin.

Que ce soit pour la Coupe du monde en 2019 ou l’Euro 2022, les médias se sont émus de voir que les matchs de football féminin pouvaient réunir devant la télévision plusieurs millions de spectateurs, sans toutefois égaler les audiences de leurs confrères masculins. Pourtant, le football et les femmes c’est une histoire plus que centenaire : le premier championnat de France féminin a été organisé en 1919. Par le prisme du football et en citant en exemple des compétitions ou exploits sportifs, Hortense Belhôte revient sur l’histoire du XXe siècle, celle des femmes, de la géopolitique, de l’économie. À partir d’un sujet fédérateur qu’elle adore, elle parvient à populariser des concepts pointus, avec drôlerie et pédagogie. Entre musique, chant, danse et paroles, celle qui a déjà créé une dizaine de conférences théâtrales confirme son talent à rendre tous les sujets passionnants.

De son grain de voix cristallin et voluptueux, par sa présence scénique ardente et délicate, l’artiste suresnoise Micha Herzog fait renaître en nous un fougueux désir de fiction. Elle adapte L’Analphabète, oeuvre incontournable de l’écrivaine Agota Kristof.

Inspiré du récit autobiographique d’Agota Kristof, écrivaine suisse d’origine hongroise, ce seul en scène tient sa force de la justesse d’interprétation. Entre jeu, lecture, danse, humour, aux confins du mime et de l’équilibrisme, Micha Herzog retrace la « maladie inguérissable de la lecture » dont l’écrivaine était atteinte depuis toute petite. Forcée à l’exil à l’âge de 21 ans lors de l’insurrection de Budapest en 1956, quittant l’aura de sa langue natale, elle se retrouve analphabète à son arrivée dans la ville francophone de Neuchâtel. Symboliquement chaussée de cothurnes (inconfortables bottines des tragédies antiques) en forme de livres, l’orpheline de coeur et de langage, d’abord entravée dans ses mouvements, découvre peu à peu la littérature francophone et reprend la plume, jusqu’à devenir une célèbre romancière. Sur une toile de fond sombre-lune, une ode merveilleuse à la combativité et à l’espoir.

Le rire forcé, le rire de bienséance, le rire sexiste, le rire libérateur, le fou rire : dans leur two-men-show, Éric et Quentin dissèquent le rire sous toutes ses facettes pour un spectacle nécessairement drôle et ludique.

Qu’on se rassure : derrière le titre farceur On ne peut plus rien rire se cache bel et bien un spectacle pour rire mais aussi pour réfléchir. Celui-ci est conçu comme une parodie d’un TEDx, ces conférences souvent animées par des personnalités inspirantes pour les salariés d’une entreprise. Éric et Quentin se posent une question : pourquoi rions-nous ? En convoquant des références littéraires comme Bergson, Stendhal et Rabelais et d’autres du quotidien, ils remontent l’histoire du rire depuis l’Antiquité et décryptent les mécanismes qui le déclenchent. Découverts à la télévision auprès de Yann Barthès, puis sur France inter avec l’émission Le Grand Urbain, Éric Metzger et Quentin Margot enchantent depuis trois ans les spectateurs avec leur conférence-spectacle dont on sort moins bête et avec le sourire.

C'est l'histoire d'un homme face à un gobelet. Cet homme, entre autodérision et questions existentielles, essaye de suivre le protocole sans lequel son projet ne verra pas le jour : faire un enfant par fécondation in vitro. Et c'est irrésistible.

Dans ce solo qui tient autant du récit que de la confession, le comédien Marc Arnaud, toujours juste et souvent drôle, nous entraîne dans le parcours d'une procréation médicalement assistée d'un futur père. Face à lui-même, ce père en devenir évalue la portée du geste qu'on attend de lui dans cette petite pièce et qui changera sa vie. À travers les digressions et une galerie de personnages aussi pragramatiques que délirants, dont une infirmière et un présentateur télé, se dessine le portrait d'un homme qui interroge sa masculinité et son rapport à la vie. Au détour des rires, remises en question et réflexions existentielles apparaissent les prémices d'une naissance.

Sabrina Kouroughli adapte le roman d’Alice Zeniter, prix Goncourt des lycéens 2017, en réunissant Yema, la grand-mère, et Naïma la petite-fille qui reconstitue le puzzle de sa famille et interroge ses racines pour se reconstruire.

Naïma travaille dans une galerie d’art à Paris quand surviennent les attentats de 2015. Bouleversée, elle décide de partir à la recherche de son identité et de l’histoire de sa famille. Elle veut dépasser le silence de son père et comprendre la honte de son grand-père harki. À travers la relation qui la lie à sa grand-mère, la gardienne du temple, elle interroge ses racines pour se reconstruire. Non sans humour, les anecdotes familiales se succèdent et permettent à Naïma de se sentir apaisée.
Sabrina Kouroughli déploie avec beaucoup de sensibilité un conte qui se transforme en saga familiale et éclaire la grande histoire à la lueur des récits intimes.

Imaginez la salle Aéroplane sans gradins, remplacés par des tables comme dans un cabaret : ce soir, vous avez rendez-vous sur une scène transformée en bar, pour une expérience unique entre verbe et vin, pour une tentative de réenchantement du monde.

Sosthène, bonimenteur qui n’a pas la langue dans sa poche, tente de réenchanter la vie des clients du bar – en l’occurrence les spectateurs… Les tables deviennent tour à tour des scènes du spectacle, des estrades, des pistes de danse. Dans ce chant dans lequel on digresse s’ouvriront des réflexions mordantes, des histoires, des songes, des paysages, des formules magiques. Sosthène invite les spectateurs à déguster avec lui (et avec modération) différents vins. Dans ce temps de communion, deux musiciens accompagnent la parole et les numéros de l’acteur : un saxophoniste s’improvise serveur et un violoncelliste tient ce soir le rôle de patron de bar. Lisa Guez rend à sa manière hommage à la puissante ancre du bar, celle qui empêche de tourner triste dans la solitude, où l’on partage sa table avec des inconnus. Si les accords mets et vins existaient déjà, découvrez à présent l’accord vin et verbe.

Dans un texte intimiste sur la famille alliant humour et tragique, le comédien et metteur en scène Théo Askolovitch explore de manière éclatante la question du deuil et de la réparation.

Dix ans après la perte d’un être cher, le père, la fille et le fils nous racontent avec délicatesse les étapes de leur reconstruction. Ils se rappellent l’annonce, l’enterrement, les rites religieux, puis la vie d’après et dressent le portrait intime d’une famille qui résonne en chacun de nous. L’écriture de Théo Askolovitch évolue entre humour et gravité. Il décrit la vie telle qu’il la connaît, avec un sourire. Après sa première pièce 66 jours, monologue sur le combat d’un jeune homme face au cancer, il poursuit son travail sur le thème de la réparation. Zoé (et maintenant les vivants) aborde le sujet du deuil, de la relation que l’on entretient avec les morts et avec ceux qui restent. La pièce n’est pas un spectacle sur la mort, c’est une déclaration d’amour à la famille et une ode à la vie.

Sébastien Bravard livre avec sincérité l’histoire d’un saut dans le vide : la découverte d’une nouvelle vocation. Comédien le soir, il reprend le chemin de l’école pour devenir enseignant.

Élémentaire, c’est d’abord une plongée dans la vie d’une classe de CM1 mais c’est aussi le témoignage intime et sincère d’un comédien nourri par deux passions : celle de jouer sur scène et de transmettre à ses nouveaux élèves. Mais comment les intéresser ? Comment prépare-t-on une séquence ? Et qu’est-ce que l’autorité ? Avec Sébastien, nous allons vivre les doutes, les joies et les questionnements d’un jeune prof. De la scène à la salle de classe, il tisse avec authenticité des liens entre deux mondes, portant un regard singulier sur son rôle de passeur. Sébastien Bravard est sans doute le professeur qu’on aurait tous rêvé d’avoir : passionné et passionnant.

Dans cette nouvelle conférence spectaculaire, Hortense Belhôte retrace avec humour et pédagogie l'histoire des graffeuses. Une plongée dans des parcours de street artistes femmes qui n'ont cessé de bousculer l'ordre établi.

Performeuse décalée, Hortense Belhôte a fait de la vulgarisation un art de la scène. Armée de son habituel vidéoprojecteur et de son bagou, elle convoque ses compétences de professeure d'Histoire de l'art et de comédienne pour créer ce qu'elle a nommé des conférences spectaculaires. Dans cet ovni scénique, elle tire ici le fil de plusieurs parcours de street artistes qui se sont imposées dans un milieu investi en majorité par les hommes. Toujours animée par un prisme féministe, queer et libertaire, elle exploire la présence subversive des femmes, souvent cantonnées à la sphère privée, dans l'espace public. Un cours magistral où l'on ne s'ennuie pas une seconde, à la découvert d'une lignée d'artistes femmes, des peintres de la Révolution à la graffeuse Kashink en passant par la plasticienne Niki de Saint Phalle.

Été 2018, c’est la Coupe du monde de football, Théo Askolovitch a 20 ans et apprend qu’il est atteint d’un cancer. Avec humour et générosité, ce seul en scène nous montre que les combats les plus intimes sont souvent les plus universels.

66 jours est l’histoire d’une traversée lumineuse et intime accompagnée d’une bande-son rap et de discours de Didier Deschamps. Le jeune homme nous raconte l’annonce du diagnostic, l’hôpital, les 66 jours de chimio et surtout sa rage de vivre. Son désir de vie, il le puise d’ailleurs dans les victoires de l’équipe de France de football et surtout auprès de sa famille. À travers ces épreuves, il trace son chemin jalonné de doutes, de démons et de joies. Sans jamais tomber dans le pathos et grâce à une drôlerie désarmante, le metteur en scène et comédien aborde les rapports parfois complexes à la famille et l’angoisse universelle de la mort. Le spectateur oscille entre larmes et rires, entre l’histoire de Théo Askolovitch et les échos avec sa propre histoire.

Pour la première fois, le roman documentaire de Martin Winckler est adapté à la scène. Les trois comédiens et metteurs en scène étayent un récit d’utilité publique et les témoignages poignants d’un service de médecine dédié aux femmes.

Jean Atwood est une jeune interne brillante. Elle doit effectuer son dernier semestre de médecine dans un service de gynécologie. Elle y rencontre un chef de service aux idées novatrices qui va bouleverser sa vision de la relation aux patientes. Dans son adaptation, Violaine Brébion accorde une place toute particulière aux témoignages et rend vivant ce chœur de femmes. Les récits intimes deviennent une parole collective qui entre en résonnance avec nos propres histoires. Cette adaptation se construit également sur la relation entre deux médecins en désaccord sur leur pratique, mais aussi sur la relation entre le médecin et son patient. Entre la position d’autorité du sachant qu’endosse la jeune interne à son arrivée et celle du médecin empathique qui prend le temps d’écouter sans juger, Jean va devoir réviser ses a priori. On sort du spectacle interpellé et surtout reconnaissant que ce texte et cette adaptation théâtrale lèvent le voile avec force et douceur sur ce qui est trop souvent tu.

Et si une rencontre pouvait nous sauver ? Stanislas Roquette nous livre avec sincérité le récit d’une grande amitié et du pouvoir de la poésie sur l’existence.

Stanislas a 15 ans quand il apprend qu’il est atteint d’un diabète insulino-dépendant. Entre les piqures régulières, le régime alimentaire restreint et la peur qui rôde, l’avenir s’annonce contraint pour l’adolescent. C’est sans compter sa rencontre avec Fleur qui sonne comme une renaissance pour le jeune homme. Elle lui ouvre les portes de la poésie, du théâtre et lui donne le goût de l’aventure. Fleur est une créature libre qui vient réenchanter son monde. Dans une écriture riche et sensible, Stanislas Roquette nous conte son histoire, sa confrontation à la maladie, devenue secondaire, transcendée par la rencontre avec l’autre et la magie des mots. Insuline et Magnolia est un hymne à l’amitié et à la poésie dans tout ce qu’elles nous offrent en puissance de vie.